Self-Portrait by Albrecht Dürer, 1500

自画像 – 着てはいけない服を着た肖像

著者:Dominik Szobak

この絵のデューラーは、身分を越えた服を着ています。当時のニュルンベルクには、身分ごとに許される衣服を定めた服装令があり、彼が身につけている毛皮の装いは、本来は高い身分の人々のものでした。金細工師の息子である彼は、その装いをまとった姿で、しかもキリストの姿を思わせる正面像として、自分を描きました。

基本情報

この作品が忘れられない理由

西洋絵画において、人物を厳密に正面から描く構図は、長くキリストのために用いられてきました。世俗の人物は斜めから描かれるのが通例です。

デューラーはこの絵で、その慣習を破りました。正面を向き、視線をまっすぐ観者に向け、右手を胸の前に上げています。この手の形は、祝福を与えるキリスト像の身振りを思わせます。中央で分けられた肩までの髪も、若いキリストを描く伝統的な姿と重なります。背景は漆黒で、空間の手がかりがありません。

要素を一つずつ取れば、それぞれに別の説明が可能です。しかし全部が揃うと、意図は明らかになります。

この構図が何を主張しているのかについては、二つの読み方があります。一つは、芸術家は神の創造行為を模倣する者であるという主張です。もう一つは、キリストに倣うという当時のキリスト教的な思想の表明であり、傲慢ではなく信仰の表現だとする読み方です。

どちらであれ、1500年のドイツで画家が自分をこう描いたという事実の重さは変わりません。

身分を越えた服

冒頭に述べた点は、この絵を理解するうえで重要です。

ルネサンス期のドイツでは、身につける素材や装身具が、その人の性別、身分、職業を示していました。ニュルンベルクも多くのヨーロッパ都市と同じく、身分ごとに着てよい衣服を定めた服装令によって、社会の境界を守ろうとしていました。

デューラーの父は金細工師でした。手工業者の家系です。そのデューラーが、高い身分を示す毛皮の装いで、自分を描いたのです。

デューラーは、服装を通じて芸術家の地位を引き上げようとした人でもありました。彼は流行を巧みに取り入れた独自の装いで知られ、作品のなかでも衣服や装身具を、社会の境界を揺さぶる手段として使っています。

つまりこの絵は、二重の挑戦をしています。キリストの図像形式を借りたことと、自分の生まれた身分を越えた装いで自分を提示したことです。

芸術家は職人ではない。デューラーが生涯をかけて主張したことが、ここに凝縮されています。

銘文を正確に読む

画面右側に記されたラテン語は、次のように読みます。

Albertus Durerus Noricus ipsum me propriis sic effingebam coloribus aetatis anno XXVIII

ノリクス（ニュルンベルクの）アルブレヒト・デューラーである私は、二十八歳のとき、自分自身の色でこのように自分を描いた——という意味です。

アルテ・ピナコテークは、この銘文の言葉は一語一語が慎重に選ばれていると解説しています。とりわけ propriis coloribus という語句は、訳し方が分かれます。「ふさわしい色で」「自分自身の色で」、あるいは「朽ちることのない色で」と訳されることもあります。自分の絵具で、自分の本来の姿で、そして永遠に残る色で——いくつもの意味が、この短い言葉に重ねられています。

左側には彼のモノグラム「AD」と制作年「1500」が記されています。

顔は作図されています

この絵は、鏡を見たままを写したものではありません。

画面は左右対称に近い厳格な構成をとり、頭部は幾何学的な比例のなかに収まるよう組み立てられていると分析されています。中央で分けられた髪の巻きも、驚くほど規則的に整えられています。

デューラーは人体比例の理論書を著した人物です。彼にとって顔は、観察の対象であると同時に作図の対象でした。

髪も同様です。1498年の自画像と比べると、この絵の巻毛ははるかに規則的です。実際の髪をそのまま描いたのではなく、整えられています。

そして手を見てください。右手は胸の前で外套の毛皮に触れています。祝福の型に似ていますが、同時に毛皮に触れる手でもあります。指は細く、細部まで描き込まれています。画家の手であり、職人の手でもあります。

歴史的背景

1500年という年そのものが、この絵の一部です。当時のヨーロッパでは世紀の変わり目に、終末をめぐる期待と不安が高まっており、この年を特別視する空気がありました。

デューラーは1494~95年と1505~07年の二度、ヴェネツィアを中心にイタリアへ旅しています。この絵はその中間期の作です。イタリアでは画家がすでに知的な職業として遇されつつありました。ドイツで画家は依然として手工業者の一人と見なされていました。

この落差が、彼の生涯の主題になります。

なお、これは油彩による独立した自画像としては三点目にして最後のものです。1493年のもの（ルーヴル）、1498年のもの（プラド）に続きます。ただし彼はこれ以降も、自作の宗教画のなかに自分を描き込み続けました。1511年の『三位一体の礼拝（ランダウアー祭壇画）』では画面下部に立ち、自分の名を記した銘板を傍らに置いています。

アルブレヒト・デューラーについて

デューラー（1471~1528）はニュルンベルクに生まれ、父の工房で金属を扱う技術を身につけました。この訓練が、後の版画の精度につながります。

版画では『メランコリアⅠ』を含む三大傑作を残し、素描では『祈りの手』のような習作を大量に描きました。

遠近法と人体比例に関する理論書も著しており、画家が理論を書くという行為自体が、当時としては地位の主張でした。

この絵がたどった道

この絵はデューラーの死後、ニュルンベルク市のものとなり、市庁舎に掲げられていたと伝えられます。市庁舎には、のちに模写が残されました。

1805年、絵はニュルンベルクから購入され、ミュンヘンへ移りました。以来二百年以上、アルテ・ピナコテークにあります。

そしてこの絵は、いまもニュルンベルクとミュンヘンのあいだで、ちょっとした火種になっています。2012年、デューラーの故郷ニュルンベルクのゲルマン国立博物館が、1970年代以来というドイツ最大規模のデューラー展を開いたとき、アルテ・ピナコテークはこの自画像の貸し出しを断りました。ニュルンベルクのサッカーの試合では、観客が「デューラーを彼の街へ返せ！」という横断幕を掲げたといいます。一方、アルテ・ピナコテークの館長は、この絵を「美術館の顔」と呼びました。五百年前に一人の画家が描いた自分の顔が、二つの都市の誇りになっているのです。

遺産と影響

この作品は、画家が自分自身を主題として提示するという実践の起点の一つです。以後、レンブラントが生涯にわたって自分を描き続け、ファン・ゴッホが数多くの自画像を残す流れが生まれます。

ただしデューラーがしたことは、単に自分を描くことではありませんでした。彼が問うたのは、画家という存在が社会のどこに位置するかという問題です。その問いは、現代の作家たちも同じ形で抱えています。

作品が見られる場所

ミュンヘンのアルテ・ピナコテークにあります。

  • 最寄りはUバーンのケーニヒスプラッツ駅、またはトラムのピナコテーク停留所です。
  • 休館日は月曜が基本です。開館時間と料金は変更されることがあるため、訪問前に公式サイトでご確認ください。
  • 日曜日は入場料が大幅に安くなりますが、その分混雑します。ゆっくり見るなら平日午前をおすすめします。
  • 同じ館にデューラーの『四人の使徒』、そしてルーベンス、ラファエロ、レオナルドの作品があります。
  • 周辺は美術館地区です。ピナコテーク・デア・モデルネなどと合わせて回れますが、隣のノイエ・ピナコテークは長期の改修工事に入っているため、公開状況を事前にご確認ください。

この絵は近づいて見る価値があります。毛皮の一本一本、髪の巻き、瞳のなかの光の点は、離れると見えません。

この絵の前で最後まで残るのは、視線ではなく主張です。デューラーはキリストの構図を借り、身分を越えた装いをまとい、自分の顔を厳密な比例で組み立てました。二十八歳の画家が、自分は職人ではないと言うために、これだけのことをしています。

画像: Selbstbildnis im Pelzrock – アルブレヒト・デューラー、1500年、アルテ・ピナコテーク蔵。ライセンス: Public Domain. 出典: Wikimedia Commons.

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